17 ene. 2017

LA HABITACIÓN (Lenny Abrahamson, 2015)

DIVENDRES 20 DE GENER A LES 20:30h A LA VIOLETA

LA HABITACIÓN

Títol Original: Room
Direcció: Lenny Abrahamson
Guió: Emma Donoghue (Novel·la: Emma Donoghue)
País: Irlanda, 2015
Fotografía: Danny Cohen
Interpretació: Brie Larson, Jacob Tremblay, Joan Allen, William H. Macy...
Durada: 118 min.
Versió: Versió Original Subtitulada
Gènere: Drama
Qualificació: No recomanada a menors de 13 anys

Sinopsi: El Jack i la seva mare viuen atrapats dins d’una habitació. Per a ell, l’habitació és el seu món, tot allò que coneix. Per la seva mare, però, és la presó on un home la va tancar fa set anys, quan va ser segrestada. L’amor pel seu fill és l’únic que la permet continuar endavant, però al mateix temps sap que l’habitació no podrà contenir ni la curiositat del seu fill ni la seva desesperació.

Premis:
2015: Premis Oscar: Millor Actriu (Brie Larson).
2015: Globus d’Or: Millor Actriu (Brie Larson).
2015: Festival de Toronto: Millor Pel·lícula (Premi del Públic).
2015: Premis BAFTA: Millor Actriu (Brie Larson).


Comentaris professionals:

“Estremecedora y magnífica. La mejor película que he visto en mucho tiempo, junto a Carol (Todd Haynes, 2015).
Carlos Boyero
Diario El País

“Una historia que sorprende por luminosa y emotiva. Es en la alternancia del punto de vista cuando Abrahamson muestra su mejor mano.” Puntuación: **** (sobre 5).
Roger Salvans
Fotogramas

Room merece no ser revelada. Todo lo que necesitas saber es que las interpretaciones de Larson y Tremblay te alucinarán. Es una película pequeña, pero su impacto es enorme.
Peter Travers
The Rolling Stone



Dos mundos, una habitación
crítica de Àngel Andreu

El rótulo de “basada en hechos reales” no aparece en ningún momento durante el metraje de La Habitación, pero la historia que explica, por desgracia, ha aparecido no pocas veces en diarios y noticieros. La realidad siempre supera la ficción y eso lo sabe Emma Donoghue, quien tras oír, leer y documentarse sobre el espeluznante caso Fritzl, publicó el año 2010 la novela Room, explicándonos la historia de Joy, una chica que a los 19 años de edad es secuestrada y encerrada en una habitación. Durante su cautiverio, y a causa de los abusos sexuales que sufre por parte de su captor, Joy dará a luz a Jack, quien al cumplir cinco años se convertirá en nuestro protagonista. Mientras que para su madre, la habitación es una prisión que la priva de la libertad y el mundo real, para él, Habitación es el mundo en sí, el único espacio real y conocido.

Años después, la propia autora de la novela adapta su escrito para la gran pantalla, y el libreto cae en manos de Lenny Abrahamson, realizador independiente de nacionalidad irlandesa. El resultado supera las expectativas y roza la maestría en diferentes apartados, se cuela en todas las listas de premios de la temporada y arrasa en las categorías interpretativas. No es para menos, pues Room es un éxito total.


Hay que ir con cuidado a la hora de escribir o hablar sobre esta película, pues unas palabras de más arruinarían su visionado. La habitación podría haber transitado caminos ya antes andados por infinidad de realizadores, se podría haber adentrado en la oscuridad y ofrecernos un drama desgarrador sobre un secuestro y sus consecuencias, pero en lugar de eso, el director y la guionista prefieren abrazar la luz y la emoción sin caer en el melodrama o la impostura. Demostrando mano maestra en la utilización del punto de vista, la historia se nos cuenta desde la mirada pura de Jack: es a través de sus ojos curiosos desde donde incluso el horror que les ha tocado vivir puede parecer un cuento con magia. Ahora, no debemos olvidar que en los cuentos la oscuridad puede ser muy profunda.

Dividida en dos partes claramente diferenciadas que sirven para definir a nuestros dos protagonistas, madre e hijo, Abrahamson demuestra que cree en esta historia con tanta tenacidad como sus personajes, basculando del drama al thriller sin perder ni un ápice de emoción: mientras que la primera parte del relato nos sobrecoge, la segunda nos llega directamente al corazón, siempre manteniéndonos al borde del asiento, guiados por la poderosa luz de la esperanza, el coraje y, sobretodo, el amor. El amor de una madre por su hijo y el de un hijo por su madre.


Tarea titánica para cualquier actor y actriz encarnar a estos dos personajes, Room podría haberse quedado con el título de telefilm si la dirección y la interpretación no hubiesen destacado de alguna manera. Y vaya si destacan. No hay elogios suficientes para enmarcar el ejercicio interpretativo que realiza Brie Larson en el papel de madre coraje, rota por dentro, que necesita a su hijo para continuar a flote. Por suerte, su hijo está interpretado por el que posiblemente sea el niño más espectacular que ha visto el celuloide en los últimos años. Jacob Tremblay, con tan solo 9 años nos ofrece una de esas interpretaciones que dura toda la vida, que rompe todos los esquemas y se convierte en historia. Pocas veces se ha visto tanta química y verdad en una pantalla, y si a eso le sumamos una dirección férrea y un guión lleno de matices que no teme tocar las teclas adecuadas, el resultado es una película que queda para siempre en nuestra memoria. Aunque, lamentablemente, pueda estar basada en hechos reales.



13 dic. 2016

CORAZÓN GIGANTE (Dagur Kári, 2015)

DIVENDRES 16 DE DESEMBRE A LES 20:30h A LA VIOLETA

CORAZÓN GIGANTE

Títol Original: Fúsi (virgin Mountain)
Direcció i guió: Dagur Kári
País: Islandia, 2015
Fotografía: Rasmus Videbaek
Interpretació: Gunnar Jónsson, Sigurjón Kjartansson, Arnar Jónson, Ilmur Kristjánsdóttir...
Durada: 94 min.
Versió: Versió Doblada
Gènere: Drama Romántic.
Qualificació: No recomanada a menors de 7 anys

Sinopsi: Fúsi es un home de 43 anys amb problemes per adaptar-se, amb sobrepés, que mai ha tingut parella i que només té un interés: les batalles de la Segona Guerra Mundial, les quals reprodueix a l’apartament on viu, juntament amb la seva mare. Un dia li regalen un val per anar a una classe de ball, i és allà on coneix la Sjöfn, una dona solitaria com ell i amb profundes ferides psicológiques.


Premis:
2015: Festival de Tribeca: Millor pel·lícula, actor i guió
2015: Festival de Valladolid – Seminci: Millor actor



Comentaris professionals:

“Un sobresaliente Jónsson sostiene el film en una interpretación llena de matices y, sin aparente esfuerzo, arroja una mirada dulce sobre lo difícil que es hacerse mayor.” Puntuación: **** (sobre 5)
Roger Salvans

“Kári vuelve al intimismo con denominación de origen. Encuentra un personaje más allá del frío y del tópico.” Puntuación: **** (sobre 5)
Nando Salvá
CinemaníaFotogramas

“Un retrato estrafalario, compasivo y cálidamente divertido de un gigantesco inadaptado social con un corazón todavía más grande”
Stephen Dalton
The Hollywood Reporter


Nuestro amigo el gigante
Crítica de Àngel Andreu

Acostumbrados – poco, pues no llegan demasiadas a nuestras pantallas- a las producciones frías de procedencia nórdica, sorprende y siempre se agradece encontrar una película de esos lares que transmita cierto calor. No nos engañemos, en Corazón Gigante hace frío, mucho, tanto que la ventisca parece no acabar jamás a lo largo de la película, pero el director Dagur Kári nos recuerda que al final siempre sale el sol ofreciéndonos un buen abrigo para que capeemos el temporal. Un abrigo que adopta, en el quinto largometraje de su director, la forma de un gigante, con un corazón todavía más grande.

Fusi / Vigrin Mountain / Corazón Gigante. Título original, internacional y nacional que ha recibido esta película tomando siempre como referencia a nuestro protagonista, un hombre de 40 años, inadaptado, con sobrepeso, tímido y un tanto infantil, pero profesional, dedicado y atento. Trabajador de un aeropuerto, pintor de figuritas de la segunda guerra mundial, amante del heavy metal, rechazado por la sociedad pero armado con un corazón a prueba de balas. Como nuestro protagonista, el director pinta con sumo cuidado esta miniatura con mirada atenta a los detalles, tintando la historia con trazos de humor, pero sin olvidarse, para nada, de la tristeza y el drama. Es en su alejamiento del edulcorante donde la película crece, pues jugando con las expectativas del espectador nos recuerda que, pese a la adversidad, siempre tenemos que continuar caminando, más fuertes, aunque cueste y pese.


Pocos personajes están tan bien trazados como Fusi en hora y media de metraje. Su mirada es delicada y cariñosa al mismo tiempo que huye de la construcción arquetípica del gigante bonachón. Hay hueco para la crítica social, para los prejuicios de una sociedad cada vez más centrada en las apariencias que en el interior. También lo hay para el romance, porque los corazones rotos también pueden llegar a amar. Es un relato triste sobre la lucha por mantener la esperanza. Es una preciosa historia sobre la búsqueda de la felicidad. Se ha dicho antes: en esta película hace frío, pero siempre hay un rayo de luz al que aferrarse o un cuerpo al que abrazarse. Película de contrastes, humanista, de realización impecable – sutil, elegante y preciosa fotografía, piezas musicales perfectamente compuestas y elegidas- apoyada en ese enorme pilar interpretativo llamado Gunnar Jónnson, de aspecto duro y de mirada pura, capaz de mostrar dulzura cuando todo a su alrededor es amargo.

Ganadora de los premios a Mejor Película, Director y Guión en el Festival de Tribeca, premio al Mejor Actor en el Festival de Valladolid… Corazón Gigante sigue latiendo en nuestro interior mucho después de haber finalizado. Un triunfo total capaz de derretir el hielo más grueso.  


26 nov. 2016

EL CINECLUB ALTAFULLA LINK, AMB EL FESTIVAL INTERNACIONAL REC DE TARRAGONA

EL CINECLUB ALTAFULLA LINK, AMB EL FESTIVAL INTERNACIONAL REC DE TARRAGONA


El Cineclub Altafulla Link, ha arribat a un acord de col·laboració amb el Festival Internacional de Cinema de Tarragona REC, en la seva edició d'enguany. El Festival, que tindrà lloc a Tarragona entre els dies 30 de Novembre i 6 de Desembre, es consolida como una mostra del millor cinema de nous directors de tot el Món.
Per escalfar l'ambient abans del festival, un petit Circuit de Cinema es durà a terme a diversos cineclubs propers, on s'oferiran pel·lícules guanyadores en edicions anteriors del REC. Aquest circuit s'inicia el 22 de Novembre a Vilanova, per continuar el 23 de Novembre a Valls i acabar a Altafulla el 26 de Novembre.
La pel·lícula que oferirà el Cineclub Altafulla Link el 26 de Novembre es "MARGARITA WITH A STRAW", una deliciosa pel·lícula índia on una noia romàntica, rebel i somniadora, intenta que la seva discapacitat no sigui una barrera per aconseguir allò que vol. Així, Laila Kapoor, començarà un viatge de descobriment personal, emocional i sexual, que la portarà a trencar amb ella mateixa i amb el seu entorn. La pel·lícula planteja la dificultat de viure amb capacitats diferents sense traumes i amb la voluntat de arribar a tots els públics.  El Cineclub Altafulla Link també proposa aquesta pel·lícula en celebració del pròxim Dia Mundial de la Discapacitat.
L’acte comptarà amb la presència de representants del Festival REC. Hi haurà una petita presentació del festival, així com de la pel·lícula. El públic assistent tindrà la possibilitat de comprar abonaments pel festival a preus especials abans i després de la projecció. Aixi mateix, hi haurà el sorteig d'un abonament pel festival.
Amb aquesta iniciativa, el Cineclub Altafulla Link vol ampliar el ventall de cinema al nostre poble, obrint l’espai a noves propostes que permetin consolidar el Cineclub com un referent a la nostra comarca en Cinema de qualitat, social, integrador i innovador.




15 nov. 2016

HEADHUNTERS (Morten Tyldum, 2011)


DIVENDRES 18 DE NOVEMBRE A LES 20:30h a LA VIOLETA 

HEADHUNTERS

Títol Original: Hodejegerne (Headhunters)
Direcció: Morten Tyldum
Guió: Lars Gudmestad, Ulf Ryberg (Novel·la: Jo Nesbo))
País: Noruega, 2011
Fotografía: John Andreas Andersen
Interpretació: Aksel Hennie, Synnove Macody Lund, Nikolaj Coster-Waldau
Durada: 98 min.
Versió: Versió Doblada
Gènere: Thriller
Qualificació: No recomanada a menors de 16 anys

Sinopsi: Roger és un caçatalents amb reputació, exitós i amb una aparent vida perfecta. Casat amb la propietaria d’una galeria d’art, el Roger viu molt per sobre de les seves possibilitats, però es treu un sou extra robant obres d’art. Un dia, la seva dona li presenta al Clas Greve, empresari amb talent que, a més, poseeix una pintura molt valiosa. El Roger ho veu clar: si robés aquest quadre podria assolir plena independència económica. Només cal planejar-ho tot bé, sense que res falli…






Premis:
2012: Premis del Cinema Europeu: Nominada al Premi del Públic.
2012: Premis BAFTA: Nominada a Millor Pel·lícula de Parla No Anglesa.


Comentaris professionals:

“Deliciosamente astuta. Es tramposa para bien, pues el artificio está bien construido. Seduce por su humor negro, a la vez incómodo y provocativo, y por su contundente representación de la violencia.”
Desireé de Fez
Fotogramas

“El viaje, por lo menos desde el minuto treinta, vale la pena: aunque truculenta y efectista, es trepidante, un juguete competentemente concebido y engrasado. Y los actores están muy bien elegidos” Puntuación: *** (sobre 4)
Jordi Batlle Caminal
La Vanguardia

“La trama avanza como un cohete, impulsada por unos personajes despreciables estupendamente trazados y un gusto por el giro hiperbólico que la convierten en un disparate francamente divertido.”
Nando Salvá

Cinemanía


Thriller de altura
crítica d'Àngel Andreu

Con la aparición de la saga Millenium, la novela negra vivió una nueva época dorada: los editores se esforzaban en descubrirnos nuevos autores de este género cada semana al mismo tiempo que recuperaban algunos que siempre habían estado, mientras que nosotros, ávidos y hambrientos lectores, devorábamos cualquier página o escrito que llevase la etiqueta noir, sin importarnos sus consecuencias. En todo caso, la oferta y la demanda de novela negra y policíaca provocó que el mundo del celuloide también se interesase por este género, por lo que se dio luz verde a múltiples producciones que, de otra manera, jamás hubiesen abandonado las pantallas de los países del norte. La primera adaptación que movilizó masas hacia las salas cinematográficas fue la saga de Stieg Larsson, pero muchos otros autores fueron adaptados al celuloide para la pequeña o la gran pantalla: Henning Mankell, Camilla Läckberg, Jo Nesbo...De éste último, precisamente, es el texto original y homónimo en que se basa la película Headhunters.


Dirigida por el noruego Morten Tyldum, Headhunters es un entretenimiento de primerísimo nivel, una golosina con la que cualquier amante del buen thriller puede deleitarse. Sarcástica, agresiva y afilada, endiabladamente divertida y con reminiscencias a algunos trabajos de los hermanos Coen, Headhunters nos muestra el descenso a los infiernos de un personaje, en primera instancia, despreciable: un vendedor de humo creído y engreído que tiene la mano demasiado larga y se enorgullece de ello. Pero como dicen, la avaricia rompe el saco, y tras robarle una obra de arte a la persona equivocada, nuestro protagonista se verá envuelto en una absoluta pesadilla.

Con un astuto y preciso guión que no tiene miedo a proponer giros imposibles, forzados -pero todos ellos gratificantes- Tyldum teje un violento juego del gato y el ratón con un ritmo vertiginosamente envidiable. El relato es crudo y sucio, pero la realización es impecable: se aleja de toda grandilocuencia, abraza el humor (negro) y cada una de sus set pieces coloca al espectador al borde del asiento. En poco más de una hora y media que pasa como un suspiro, Tyldum propone un viaje sin frenos, en el que más de uno podría haber descarrilado, pero en el que él parece moverse como pez en el agua. Las interpretaciones son todas ellas más que notables, pero mención especial merece Aksel Hennie, el protagonista de esta historia: antihéroe que tanto atrae al espectador, carga con las consecuencias de su delito sobre sus espaldas así como de la película y nosotros, quien en un principio sentíamos rechazo hacia esta persona, acabaremos deseando que llegue a buen puerto.


Thriller “de altura”, Headhunters sirvió como carta de presentación para Morten Tyldum a nivel internacional. Ahora es uno de los directores más cotizados en Hollywood, estrenando hace apenas dos años la notable The Imitation Game, con la que cosechó la primera nominación al Oscar de la historia para un noruego en la categoría de mejor dirección y este año estrena Pasajeros, película que cuenta nuevamente con producción americana. Si es, como poco, la mitad de entretenida que Headhunters, este crítico la recibirá con los brazos bien abiertos.


7 nov. 2016

NEBRASKA (Alexander Payne, 2013)


DIUMENGE 13 DE NOVEMBRE A LES 18:00 A LA VIOLETA

NEBRASKA

Títol Original: Nebraska
Direcció: Alexander Payne
Guió: Bob Nelson
País: Estats Units, 2013
Fotografía: Phedon Papamichael
Interpretació: Bruce Dern, Will Forte, Bob Odenkirk, June Squibb, Stacy Keach...
Durada: 115 min.
Versió: Versió Doblada
Gènere: Drama, comédia, road movie.
Qualificació: No recomanada a menors de 7 anys

Sinopsi: Woody Grant, un home d’avançada edat i amb símptomes de demència, decideix emprendre un viatge des de Montana fins a Nebraska per reclamar un suposat premi d’un milió de dolars que, segons ell, ha guanyat a una revista. No anirà sol, el seu fill David, amb el que quasi no té relació, l’acompanyarà durant el trajecte, refent la seva relació al mateix temps que viuen una inesperada aventura.
Premis:
2013: Premis Oscar: 6 nominacions, incloent pel·lícula, director, guió, actor i actriu secundària.
2013: Festival de Cannes: Millor Actor (Bruce Dern)
2013: Globus d’Or: 5 nominacions, incloent millor pel·lícula, director i actor.
2013: National Board of Review: Top 10 pel·lícules de l’any, 


Comentaris professionals:

“Irrefutable y perfecta. Entre la comedia triste, el drama majestuoso y el simple desengaño, Payne guía al espectador por una marea. Aparentemente la película más sencilla del director y, sin embargo, la más honda.”
Luis Martínez
Diario El Mundo

Nebraska es un maravilloso acertijo que cada uno tiene que desentrañar por sí mismo.” Puntuación: ***** (sobre 5)
Salvador Llopart
La Vanguardia

“Mezcla con gran delicadeza lo cómico y lo melancólico, y resulta emotiva sin tratar de ser sentimental.”
Manuel Piñón
Cinemanía



Postales y miradas
crítica de Àngel Andreu

Alexander Payne goza con el privilegio de ser uno de los directores y guionistas preferidos de la crítica especializada. No es para menos, pues en su haber se hallan pequeñas grandes joyas como A propósito de Schmidt, Entre Copas y los Descendientes. Todas en apariencia sencillas, pero de una profundidad y complejidad asombrosas que, además, producen fuerte calado en el espectador. Payne demuestra que tiene una voz propia en el arte de narrar historias, nos coge de la mano y nos incita a emprender un viaje con los protagonistas de sus narraciones, y pese a que no sepamos jamás donde acabará, nos dejamos llevar sentados en el asiento del copiloto.


Un viaje que, por cierto, siempre se produce de manera literal en sus películas. Haciendo referencia los protagonistas de los films mencionados anteriormente, Schmidt (Jack Nicholson), jubilado y tras la muerte repentina de su esposa, se montaba en caravana y atravesaba medio estado para ir a visitar a su hija, intentar evitar su matrimonio y, de paso, darle sentido a su vida; el aspirante a escritor, divorciado y deprimido personaje de Paul Giamatti en Entre Copas organizaba un viaje con un amigo suyo para probar vinos antes de la boda del segundo y, de paso, recordar cuán fracasados son; George Clooney se recorría toda una isla hawaiana en Los Descendientes para decidir vender sus tierras, recomponer la relación con sus hijas y, por si fuera poco, replantearse su vida tras el accidente que ha dejado a su mujer en coma.

En Nebraska también hay viaje: el que emprende Woody Grant junto a su hijo para recoger un premio de un millón de dolares. Su hijo tiene claro que se trata de un pufo, pero ante la insistencia de su padre, decide acompañarle hasta Nebraska, estado americano donde entregan el premio y donde creció su progenitor.


Rodada en un precioso blanco y negro, Nebraska es una postal en la que no hay una simple fotografía, si no un retrato de una vida. La vida de un personaje hosco, cerrado, taciturno que intenta recuperar su dignidad a toda cosa. Un viaje hasta el pasado observado con los ojos del presente, de la vejez, del conocimiento de quien se ha hecho mayor pero quiere sentirse grande. O vivo. Payne dirige con mano maestra un retrato de perdedores a los que adora. Sigue ofreciendo un característico tono sarcástico en la realización del film, pero abraza un tono más humanista, cercano y cariñoso. Cada fotograma rezuma nostalgia y melancolía, con sus luces y sus sombras, conmueve y ofrece un relato poético y gratificante. El drama se mezcla con la comedia, el realismo con el surrealismo, el dolor con la alegría. Payne no retrata una simple paisaje con unos protagonistas. Los conoce, los quiere y nos los presenta.

Maestro de la contención y bellamente sutil, todo funciona a la perfección en Nebraska. Bruce Dern está simplemente majestuoso como protagonista, convirtiendo una simple mirada en un profundo pozo de significados. Will Forte, en el papel de su hijo, se sitúa en el mismo lugar que el espectador y ejerce la difícil y grandiosa posición de copiloto de los acontecimientos, así como piloto de la comprensión. Y June Squibb en el papel de la mujer de Woody Grant, memorable roba escenas, poderosa, transgresora, capaz de arrancar carcajadas en la platea y, segundos más tarde, hacer que se nos derrita el corazón. Payne sabe que los protagonistas de sus historias, de la vida, son las personas que la viven y aquí nos regala una demostración de gran cine que, como las grandes historias, merecen ser contadas y jamás olvidadas.




17 oct. 2016

MUSTANG de Deniz Gamze Ergüven (2015)




MUSTANG



Direcció: Deniz Gamze Ergüven
Guió Deniz Gamze Ergüven, Alice Winocour
Any: 2015
Coproducció : França-Turquia-Alemanya; CG
Cinéma
Fotografía: Tobias Hochstein
Música: Warren Ellis
Interpretació: Erol Afsin, Ilayda Akdogan,
Doga Zeynep Doguslu, Elit Iscan, Ayberk
Pekcan,Günes Sensoy, Tugba Sunguroglu,
Burak Yigit

Durada: 97 minuts

Versió: Versió Original Subtitulada al Castellà.

Gènere: Família. Adolescència. Vida rural

Sinopsi: En un petit pobla al nord de Turquia, cinc germanes orfes d’entre 12 i 16 anys viuen l’estiu en un jardí paradisíac de riures i jocs innocents sobre les onades del Mar Negre amb els nois de l’escola. Però la condició de dona en el seu país no trigarà a provocar rumors d’immoralitat. Així, els seus familiars, per mitja de l’avia i el tiet, decideixen ferse càrrec del assumpte, precipitant el seu destí com a futures esposes.

Premis:
2015: Premis Oscar: Nominada a Millor pel·lícula de parla no anglesa
2015: Globus de Oro: Nominada a Millor pel·lícula de parla no anglesa
2015: 4 Premis César: Millor òpera prima, guió, muntatge y bso. 9 nom.
2015: Premis del Cinema Europeu: Premi Discovery (millor òpera prima)
2015: Premis Goya: Millor pel·lícula europea
2015:Independent Spirit Awards: Nominada a Millor pel·lícula estrangera

Comentaris Profesionals:
“Un grito de protesta contra la cruel sinrazón
de la religión y, ya que estamos, una película de
terror a vueltas con la sangre del patriarcado. (...)
Puntuación: ★★★★ (sobre 5)”
Luis Martínez: Diario El Mundo
“La importancia de «Mustang» consiste en revelar
lo profundo y enfermizo del drama sin renunciar a
las tonalidades de comedia y a un blancor y estupor
narrativo que llena de calidez la pantalla (...)
Puntuación: ★★★ (sobre 5)”


Oti Rodríguez Marchante: Diario ABC

El Arco Iris Interrumpido
Crítica de José Manuel Ruiz

Ante la discriminación, hay siempre dos opciones: Resignarse a aceptarla o llenarse de coraje para rechazarla. “Mustang” es un precioso ejemplo sobre la dicotomía entre la aceptación y la negación. Entre la lucha o la pleitesía.

Al cine, como a muchas artes, se le pide que a la hora de narrar, encuentre un espacio para contrastar la imaginería con la realidad en la que se encauza. Hacerlo, requiere un extraordinario ejercicio de equilibrio. “Mustang” lo logra, envuelta en un halo de cuento de hadas de los que se hacen imborrable a la retina.

En un certero encuentro entre el drama y la comedia, la película relata lo profundo y despiadado que puede ser lo real, pero con una frescura y una luz viva, radiante, cálida, llena de risas, amor y encanto que entrega al espectador un metraje codiciadamente dulce.




La primera escena, que flota sobre espectaculares imágenes del Mar Negro, abre el verano de unas niñas que, tras terminar las clases, quieren ser niñas, adolescentes, mujeres en su momento al fin y al cabo. Los juegos de esta escena, derivaran en un inocencia progresivamente quebrada por las convicciones que fundamentan a una familia anclada en los vestigios generacionales de la sociedad turca. Este punto de partida, está inspirado en un suceso real que ocurrió en la vida de la directora, quien ha pretendido con esta narración otorgar a sus personajes un coraje que nunca tuvo.

Deniz Gamze Ergüven debutó como directora con Mustang. De origen turco, mudó a Francia en los años 80. Los diversos premios y nominaciones de la película, avalan una enorme acogida de este film, para el que Ergüven contó con cinco jóvenes actrices, cuatro de las cuales debutaron en “Mustang”. Ellas permiten contar los cinco destinos posibles para una misma mujer y lo hacen con temperamentos muy diversos.






Quien busque una despiadada crítica al Islam puede sentirse contrariado. La película no ahonda en los fundamentos y avanza con una narración medida que lo que quiere es reflejar lo que se ve. La cámara viaja entre escenas poéticas, llenas de luz y de reflejos dorados en los cabellos de las niñas, hacia otras en la que nos permiten sentarnos en un sofá y asistir perplejos a acuerdos que nos hacen sentir incómodos entre vapores de té y olores dulces.

Mustang” es una constante lucha por el poder del No. Por la capacidad que todo individuo debe tener a poder decidir quien quiere ser, cómo quiere vivir y con quién. En esa lucha, lo socialmente establecido se empeñará en oprimir brutalmente ese derecho tratando, como en una de las escenas clave de la película, de silenciar el derecho a poder gritar.

Las cinco hermanas protagonistas enamorarán al espectador con su alegría, sus bromas, sus travesuras, a la par que con su valentía, su entrega, su rendición o su rebelión, incluso cuando el drama las azote con violencia y de manera imprevista.





Mustang” es, si cabe, la imagen de una opresión contra la mujer y de como ésta, como individuo, se somete o se defiende. Ésta opresión es una. Ni mejor ni peor que la opresión que otras sociedades, incluido la nuestra, ejerce contra la mujer, contra el niño o contra cualquier género o colectivo con el simple objetivo de atenazar su libertad. Cuenta la directora que cuando proyectaron la película por primera vez en Cannes, mujeres de países sin relación geográfica o cultural con Turquía le dijeron que así era la experiencia de las mujeres en Corea, en Israel y en muchos otros lugares. Y es que a veces, la propia mujer asume resignada la discriminación y el designio, por verse obligada a reproducir códigos patriarcales.



Mustang” presenta la opción a poder decir No, a no interrumpir el arco iris, que surgió de la tormenta, con más lluvia.



19 sept. 2016

La Fiesta de Despedida (Tal Granit, Sharon Maymon, 2014)

DIVENDRES 23 DE SETEMBRE A LES 20:30 A LA VIOLETA

LA FIESTA DE DESPEDIDA

Títol Original: Mita Tova (The Farewell Party)
Direcció i guió: Tal Granit, Sharon Maymon
País: Israel
Fotografía: Tobias Hochstein
Música: Avi Belleli
Interpretació: Ze’ev Revach, Aliza Rosen, Levana FInkelstein, Raffi Tavor...
Durada: 95 minuts
Versió: Doblada
Gènere: Comèdia Dramàtica
Qualificació: No recomanada a menors de 7 anys
Sinopsi: A una residència per persones de la tercera edat a Jerusalem, un grup d’amics construeix una màquina per practicar l’eutanàsia amb la intenció d’ajudar un malalt terminal. Ara bé, quan corren els rumors sobre l’existència d’aquesta màquina dins del centre, altres residents els demanaran ajuda, fet que els plantejarà dilemes emocionals al mateix temps que viuen una aventura esbojarrada.


Premis:
2014: Festival de Venecia: Premi del Públic
2014: Seminci de Valladolid: Espiga d’Or (Millor Pel·lícula) i millor actriu (Ex Aequo Aliza Rosen i Levana Finkelstein)

Comentaris Profesionals:

“Una comedia cercana, entrañable, inteligente, no discursiva y para todos, o cualquier público.” Puntuación: **** (sobre 5)
Oti Rodríguez Marchante: Diario ABC

“Se llora, y se llora a gusto, no sólo de pena sinó también de risa. Un canto a la vida en forma de réquiem.” Puntuación **** (sobre 5)
Rubén Romero: Cinemanía

“Una conmovedora y provocativa dramedia. Con un ideal elenco de talento septuagenario, un sentido visual finamente pulido y una magnífica sincronización de comicidad irónica y diálogo.”
Alissa Simon: Variety


Presentaciones y despedidas
crítica de Àngel Andreu


Uno siempre se acerca de puntillas a ver una película sobre la eutanasia. Ya puede tratarse de una cinta dirigida por un director de renombre o venir respaldada por premios con cierta importancia –la película que nos ocupa se hizo con el Premio del Público en el Festival de Venecia el año 2014, así como la Espiga de Oro a Mejor película en el Festival de Valladolid-; es un tema complicado, no exento de polémica y división así como de dificultad narrativa, pues dependiendo el camino que tome el relato en cuestión podemos encontrarnos ante un drama vacío o una frivolidad insultante. Lo dicho: uno siempre se acerca de puntillas a ver una película sobre la eutanasia.

Por suerte, La Fiesta de Despedida, opta por andar el camino de la sencillez, la inteligencia y la sensibilidad, mostrándonos una película luminosa a pesar de no renunciar, ni un ápice, a su oscuridad. La primera escena ya nos marca la ruta que vamos a caminar durante menos de 90 minutos: un hombre hablando por teléfono haciéndose pasar por Dios, le comenta a una mujer, mayor y enferma, que se encuentra al otro lado de la línea telefónica que no hay plazas libres en el cielo y, por lo tanto, deberá quedarse más tiempo en el mundo terrenal.


La ópera prima de Tal Granit y Sharon Maymon habla sobre el derecho a decidir cuándo abandonar la vida en un momento en que el sufrimiento, el miedo y el dolor son un punto de no retorno. Pero también nos habla del amor, de la amistad, del auto-respeto y de la solidaridad. Es una historia tratada con cariño y humanidad, alejada de sentimentalismos baratos, que mediante inteligencia y respeto nos enfrenta a la cruda realidad mortal, nos plantea preguntas y dudas  y, al mismo tiempo, nos regala sonrisas y carcajadas. Que una película consiga hacernos reír y llorar, al mismo tiempo que demuestra un equilibrio perfecto en todo aquello que nos quiere contar es un logro. Tratándose de una primera película, un triunfo. 

Hablábamos antes del camino de la sencillez, no de la simpleza, y es que los directores abrazan el convencionalismo en la realización para ofrecernos un relato emotivo y sincero sustentado en un plantel de actores septuagenarios en estado de gracia, capaces de hacernos comprender con una simple mirada la complejidad de las decisiones que tienen que tomar. Explicados de esta manera, incluso los temas más complicados parecen más sencillos. Provocan que aunque en un principio nos hayamos acercado de puntillas, nos alejemos de esta película firmes, satisfechos y felices, con la bonita sensación de haber aprovechado el tiempo. Y eso, al fin y al cabo, es lo más importante.